Bea Espejo, Prólogo. Lunes 19 de octubre, 2026
A modo de introducción, esta primera sesión ofrece las bases para una revisión histórica del textil como medio en el campo artístico. Una revisión que amplía el foco más allá de la histórica canónica del arte europeo y norteamericano, poniendo especial atención a Latinoamérica, África o Japón, lugares donde la práctica del textil en el arte forma parte intrínseca de la propia historia del contexto. Asimismo, la conferencia analiza qué momentos, exposiciones, teorías o monografías han marcado ese devenir histórico y han propiciado el actual auge de este medio en la escena internacional, coronado con la gran exposición de Ruth Asawa ahora en el MoMA y que en 2026 llegará al Guggenheim de Bilbao
Mercedes Azpilicueta, Capítulo 1. Martes 20 de octubre, 2026
Mercedes Azpilicueta es una artista conocida por sus obras basadas en el lenguaje que se autodenomina “investigadora deshonesta”. A través de un amplio trabajo de investigación, desde la historia del arte a la música popular, de la literatura a la cultura callejera, reúne a diversos personajes del pasado y del presente, y refleja sus trayectorias disidentes (feministas, queer, migrantes, exiliados) incluyendo sus voces, formas, textos, huellas y recuerdos en una obra de múltiples capas. Lejos de caer en la fascinación archivística, su obra aborda con éxito el cuerpo con todos sus defectos y potencialidades y abraza su fragilidad, así como su capacidad de resistencia y cuidado. Su práctica artística se basa en técnicas artesanales “pobres”, a menudo asociadas al trabajo doméstico de las mujeres y a conocimientos subalternos, como coser, bordar o teñir. Los materiales utilizados, reciclados o naturales reivindican su propia narrativa: la de la circulación de recursos y conocimientos adquiridos a menudo mediante la explotación violenta de los seres humanos y la naturaleza. Mercedes Azpilicueta (La Plata, Argentina, 1981) fue artista residente en la Rijksakademie van Beeldende Kunsten, Ámsterdam, en 2015/16, y recibió la Beca Pernod Ricard en 2017. Sus exposiciones individuales incluyen el C3A (2024); Kunstverein Göttingen (2023); Sammlung Philara, Düsseldorf (2022); Kunstmuseum Liechtenstein, Vaduz (2022); Gasworks, Londres (2021); Azpilicueta fue nominada al Prix de Rome 2021.
Patricia Esquivias, Capítulo 2. Miércoles 21 de octubre, 2026
Patricia Esquivias desarrolla una investigación colectiva y de temporalidad abierta que se articula a través del trabajo textil, expandiendo las búsquedas previas de la artista en torno al "punto moruno”: una técnica de bordado tradicional, típica de la provincia de Toledo y originaria de la región marroquí de Fez, en Marruecos. Atiende sobre todo a lo secundario o marginal, trabaja a partir de la escucha y el intercambio, y esboza narraciones próximas a la antropología en diferentes medios (vídeos, instalaciones, etc.). Ha investigado sobre los artífices y las comunidades relacionadas con la elaboración de los objetos más o menos cotidianos y su circulación, estableciendo vínculos temporales entre pasado y presente. En los últimos años, además del vídeo, se ha valido de técnicas ligadas a los oficios artesanales, como los textiles, con la ayuda de colaboradores externos. Patricia Esquivias estudió arte en Londres y San Francisco y ha realizado varias estancias y residencias en: Skowhegan, EEUU; Wiels, Bruselas; "Schloss Solitude", Alemania; "Residencia en la Tierra", Colombia; "Rif Post-Residencie", Marruecos; "Transcultural Academy SKD", Alemania; "Programa de Residencias Matadero", España. Ha expuesto sus trabajos en España (Museo Nacional Reina Sofía, CA2M, CentroCentro, La Casa Encendida, TEA Tenerife, Artium Vitoria, CGAC, CAC), Alemania (Frankfurter Kunstverein, Langenhagen Kunstverein, Dresden Kunsthaus, 5th Berlin Biennale), E.E.U.U. (White Columns, Murray Guy, Hammer Museum), Italia (Arcos Museum), y en Inglaterra (East International, Tate Modern).
Fuentesal Arenillas, Capítulo 3. Lunes 26 de octubre, 2026
El dúo de artistas Fuentesal Arenillas exploran la relación y los estados como punto de partida, el trabajo desde la figura doble, el devenir de su propia praxis o la práctica de la escultura tras el juego del que proviene, configurándose a partir de las posibilidades metafóricas de los materiales. Sus implicaciones alegóricas y lingüísticas se insertan —se instalan— en otros circuitos de producción material y cultural —popular—. En su obra, en la que trabajan con materiales como el textil, la escayola o la madera, las fábulas, la memoria y los gestos cotidianos de su tierra natal tienen un papel esencial. Un catálogo de símbolos y referencias, narrativas, relatos e historias que se entrelazan y se entrecruzan, que van y vuelven, que se repiten a la vez que cambian. Entre sus últimos trabajos se encuentran CARRUSEL en Conde Duque, Madrid. La danza mudanza en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo CAAC. Sevilla; Cubierta brillante Margen delgado en la Sala de Arte Joven, Madrid; Casapuerta en la galería Luis Adelantado, Valencia o Un collar de ventanas en el Centro Párraga, Murcia. Recientemente han expuesto de manera colectiva en CHÃO, Centro Internacional das Artes José de Guimarães CIAJG, Portugal; Lo que pesa una cabeza, museo TEA, Tenerife; Processi 150, Academia de España, Roma; Una historia reciente II Fundación Juan March, Palma; La vista y el tacto (ca.1929-30) Centro Federico García Lorca, Granada.Han recibido diferentes premios, becas y residencias, destacando el premio a la producción de la Fundación La CAIXA´24; Premio ARCO´24 Comunidad de Madrid; Academia de España en Roma 22-23; Generaciones 23, La Casa Encendida.
Sonia Navarro, Capítulo 4. Martes 27 de octubre, 2026
Sonia Navarro ha convertido la costura en su firma más característica. Con telas, patrones, puntadas e hilos reivindica su propia procedencia, tradición, origen y artesanía, pero, también, el feminismo a través de la autonomía de la mujer mediante la artesanía tradicional, o la lucha climática con el uso del esparto, que evita la desertización del territorio, o el aprovechamiento de materiales de desecho. La artista ha explorado el uso de patrones en su trabajo artístico, integrando técnicas textiles en su práctica que proceden de la relación con las mujeres de su familia: su madre, sus tías y sus dos abuelas, quienes le enseñaron a coser y a valorar esa labor considerada antes menor. Para ella, los patrones son una forma de lenguaje visual que reflejan temas de su vida cotidiana, de la experiencia personal y la memoria, así como la conexión entre el arte y la artesanía. La artista aboga por un tiempo en calma, desde el que elabora sus obras meticulosamente a mano. De este modo, logra una sinergia entre técnicas artesanales tradicionales y tecnología de vanguardia, creando obras que incorporan elementos destinados para otros usos, lo que enriquece su complejidad estética. Sonia Navarro (Puerto Lumbreras, 1975) fue premiada en 2023 con el Premio BMW de Pintura y ha sido una de las becadas en la Real Academia de España en Roma. Su última gran exposición es Fronteras y Territorios, en la Sala Alcalá 31 de la Comunidad de Madrid, comisariado por Lorena y María de Corral. Anteriormente, son muchas sus exposiciones individuales y colectivas, así como las colecciones que atesoran sus obras.
Bea Espejo, Epílogo. Miércoles 28 de octubre, 2026
A modo de conclusión, esta última sesión rubrica el ciclo sobre arte textil hablando de los posicionamientos, tendencias y argumentos que encierra el fructífero momento que vive este medio. También sus contradicciones. ¿Es el arte textil una moda? ¿Hasta que punto se relaciona con ese campo creativo? ¿Qué intereses hay detrás del actual bum? ¿Cómo lo han enfocado los medios de comunicacion? ¿Cuáles fueron las primeras obras de arte textil que entraron en las colecciones de los museos? ¿Cómo se ha posicionado el mercado? ¿Qué precios tienen esas obras? ¿Quién las compra? ¿Hay colecciones centradas exclusivamente en arte textil? ¿Es el arte textil eminentemente de mujeres artistas? ¿Ha roto la estela de estar asociado a lo doméstico? ¿Qué criticas encierra? ¿Cómo una de las primeras tecnologías humanas se ha convertido en un medio de producción global? ¿Se habrá roto ya la antigua división entre alta y baja cultura? Tejer, hacer ganchillo, trabajar el fieltro, plisar o coser devienen, para muchos artistas, un documento de época para narrar lo contemporáneo. Su atractivo contemporáneo y su historicidad se derivan de su lugar en la historia del arte y la cultura, así como en la historia de los medios de comunicación, la sociedad y la tecnología. Representando las tradiciones que se encuentran tanto en las artes aplicadas como en las bellas artes, los textiles se ciernen entre el formalismo y el funcionalismo; como objetos y técnicas, median entre las relaciones con el yo y las relaciones con el mundo, entre los procesos de apropiación impulsados por el afecto y el conocimiento. Funcionalmente versátiles, como objetos de utilidad y medios de un lenguaje abstracto (visual), los textiles ilustran enredos específicos que, desde el comienzo de la modernidad, han transformado las relaciones entre el sujeto y el objeto, el material y el trabajo inmaterial, el trabajo artístico y artesanal, y las diferentes culturas. Este ciclo examina las cualidades referenciales y analíticas de los textiles a través de obras contemporáneas e históricas. Todas las ponencias planteadas reflexionan sobre la compleja interacción entre las diversas funciones y connotaciones de los textiles, como el énfasis en sus cualidades táctiles o el valor artístico que se les atribuye, y los conflictos y antagonismos que articulan las relaciones de poder y valor y de la interacción de los procesos artísticos con sus contextos generales.
Sonia Navarro, "Spartaria", 2025